PRIMERA CHIFLADERA EN CASA ACTORES

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Anímate a traer tu propuesta de trabajo artístico a Casa Actores si es:obra de teatro ,monologo ,stand up comedy , performance ,lectura dramática, danza urbana, Impro,clown ,espectáculo musical, vocal o instrumental . La chifladera es un espacio libre donde te puedes expresar , incribete a casaactores@gmail.com

PROYECTO: “CASA ACTORES”

FECHAS DE TEMPORADA: TEATRO BERNARDO ROMERO LOZANO

NONBRE: LA CHIFLADERA (Noche de encuentros artísticos)

PERIODICIDAD Y FECHAS: MENSUAL , DIA MIERCOLES DESDE EL MES ABRIL.

LA CHIFLADERA. Traída de un formato extranjero y adaptado a nuestra cultura, CASA ACTORES presenta al Teatro Bernardo Romero Lozano su propuesta LA CHIFLADERA, espacio de libre expresión artística para los artistas en formación

Casa Actores abre sus puertas a todos los amigos para que conozcan el trabajo realizado por estudiantes de diferentes escuelas. Funciona como un espacio en el tiempo y en el espacio real de nuestro teatro. Lo abrimos para que el artista en formación tenga libertad de expresarse a través de su trabajo artístico. Todas las expresiones artísticas son bienvenidas.

Clown - Lecturas Dramáticas – Impro - Stand Up Comedy – Micro teatro – Performance - Declamación y Poesía – Monólogos - Teatro alternativo

Requisitos, que sus trabajos artísticos sean elaborados por ellos, que tenga calidad para ser presentados a un público nuevo para la escuela y al cual le debemos todo nuestro respeto, que sirva de medio de expresión del artista que lo presenta y que pase una revisión por parte de algún docente de la academia, que más que una manera de dirección será un aporte de una visión más especializada en  el tema para que nunca abandonemos nuestra misión de formar artistas integrales.

CASA ACTORES

Diego L Ospina 

Traída de un formato extranjero y adaptado a nuestra cultura incipiente,CASA ACTORES incorpora a su oferta especial ,LA CHIFLADERA ,espacio de libre expresión artísticas para nuestros estudiante y para todos el publico.

Los requisitos son que su trabajos artísticos sean elaborados por ustedes ,que tenga calidad para ser presentados a un publico nuevo ,para la escuela ,que sirva de medio de libre expresión artistica

Konstantín Stanislavski

Konstantín Stanislavski 

(1863/01/17 - 1938/08/07)

Actor, director y autor ruso

No te ames a ti mismo en el arte, sino al arte en tí mismo
Stanislavski


Nació el 17 de enero de 1863 en Moscú. Hijo de un rico fabricante lo que le proporcionó un gran apoyo financiero para sus aventuras teatrales.

En el año 1897 y junto a Vladimir Nemiróvich-Dánchenko crea el MAT, el primer teatro de Rusia con una compañía completamente profesional.

Maestro ruso de las artes escénicas modernas, recomienda a los críticos las distintas etapas de ese oficio investigativo, entre ellas el conocimiento del hecho artístico desde su génesis: estudio de mesa y su análisis. Guiaba a los actores a reproducir en ellos el mundo emotivo de los personajes para que éste fuera proyectado al espectador como experiencia verídica, sinteatralidad artificial. Stanislavski denominó este efecto "realismo psicológico".

Desde 1907 hasta su muerte, se dedicó a desarrollar un sistema de formación dramática. Llegó a la conclusión de que los actores que recordaban sus propios sentimientos y experiencias, y los cambiaban por los de los personajes, podían establecer un vínculo con el público. Expone claramente sus elementos clave: la relajación, la concentración, la memoria emocional, las unidades, los objetivos y los superobjetivos. Fue el primero en reconocer la universalidad de las técnicas empleadas por los actores extraordinarios y formuló un sistema moderno para abordar la actuación. Dio a este proceso el nombre de técnica vivencial. Esta difícil técnica permitía a los actores repetir su trabajo escénico sin tener que confiar en la inspiración.

Tras la Revolución Rusa de 1917, exploró las posibilidades de un teatro improvisado. Intentó dar a los intérpretes los medios artísticos para poder abordar el texto de acuerdo con las motivaciones de los personajes. Tradicionalmente, este proceso estaba bajo el control del director. Al final de su vida, sin embargo, Stanislavski experimentó con una fórmula que otorgaba de nuevo al director el completo control intelectual sobre el proceso de ensayo. Denominó a esta técnica "teoría de la acción física".

Fue autor de Un actor se prepara (1936) y La construcción del personaje (publicación póstuma, 1948).

Konstantín Stanislavski falleció el 7 de agosto de 1938 en Moscú.

*buscabiografias.com

10 signos que indican que podrías estudiar: Teatro o actuación

por Nelson Novoa

La actuación es una de las expresiones artísticas más antiguas de la humanidad. Algunos registros históricos señalan que tuvo su origen en la Grecia antigua, en el año 534 A.C. Cientos de años después, el arte se profesionalizaría en Europa durante el siglo XVI, específicamente en Italia, con la aparición de las primeras compañías teatrales profesionales de Commedia dell'Arte. En los años posteriores, durante la monarquía de la Reina Isabel, surgiría en Inglaterra la Chamberlain´s Men liderada por el icono del la literatura y el teatro, Shakespeare.

Actuar bien implica un arduo trabajo. La profesión no es fácil y la persona debe realizar una profunda investigación para lograr una buena interpretación. Se deben aprender diálogos,internalizar al personaje y en lo posible, hacerlo lo más realista. Si el resultado es convincente se verá reflejado en alguna obra de teatro, programa de televisión o película. Además, es un oficio que requiere pasión y reinvención constante.

Si te interesa profesionalizarte en la actuación existen varias escuelas de teatro a lo largo del país como la Arcos, la Universidad de Chile o la del Desarrollo. Pero más allá de mostrarte los lugares en donde puedes estudiar, te queremos orientar a través de 10 puntos que tal vez hagan click en tu interior y te estimulen a cursar esta carrera tan genial.

1. Gusto por la literatura: El estudiante de teatro lee muchos textos sobre la historia del teatro y la actuación. Además, deberá estudiar sobre la construcción de guiones, expresividad corporal, manejo de la voz, entre otros temas relacionados a su profesión. Sin contar los guiones que también deberá aprenderse para las obras de teatro.

2. Expresarse en público: Por lo general los actores aman mostrar su arte y talento en frente de las personas. La vergüenza no debería ser parte de una actor. Aunque hay casos de personas que decidieron estudiar esta carrera para vencer su timidez y mejorar la autoestima, como es el caso del actor Bruce Willis. Ahora es una súper estrella que gana millones. Quién pensaría que cuando niño fue tartamudo.

3. Trabajo en grupo: Las compañías de teatro se caracterizan por trabajar con muchas personas. Es obvio, para contar una historia se necesitan muchos personajes. Y si no te gusta trabajar con muchas personas, al menos tienes la opción de crear monólogos o hacerte comediante de café-concert.

4. Sensibilidad emocional: El actor necesitara mostrar distintos estados de ánimo cuando interpreta a un personaje y para lograrlo necesita aprender el manejo de sus emociones. Sin duda es una de las cosas que más les cuesta dominar a los estudiantes de teatro ya que implica mucho trabajo interno. Aunque los resultados mejoran bastante las interpretaciones e imprimen mayor realismo a los personajes.

5. Gusto por el cine: Por lo general muchos actores de teatro terminan actuando enpelículas. Los casos son muchos. Por ejemplo, el actor Ian Mckellen comenzó de esa forma, al igual que otros interpretes como Hugh Jackman o Robert Downey Jr.

6. Dormir poco: Habrá momentos en que, para lograr interpretar bien a un personaje, deberás sacrificar horas de sueño, con el fin de aprenderte el guión de tu personaje. Además, si quieres ser un buen actor, deberás sacrificarte levantándote temprano y aprovechando al máximo tu tiempo. No olvides que la actuación implica entrenamiento físico y mental.

7. Buena memoria: Tal vez en un comienzo solo debas aprenderte algunos pocos diálogos, pero si quieres llegar a ser el protagonista de una obra teatral, deberás aprenderte cientos - por no decir miles - de diálogos. No todo es tan simple como "ser o no ser" de Shakespeare.

8. Amor al arte: En sus comienzos, muchos actores realizan obras de teatro o expresiones artísticas en la calle o en recintos pequeños. Más allá de que logres vivir de la actuación, recuerda que este es un arte que surge del corazón y la pasión. El dinero no lo es todo y si tienes que comenzar ganándote unos pocos pesos, da igual.

9. Independiente: Si logras entrar a una buena compañía de teatro, lo más probable es que te toque viajar más de una vez. Y si son buenos, capaz que tengan que hacer alguna gira alrededor del país. En ese sentido, es mejor que siempre tengas hechas tus maletas y no dependas mucho de la cercanía de tu hogar.

10. Creatividad: El actor debe estar reinventándose constantemente, ya que durante su carrera deberá interpretar muchos personajes y además, crear los suyos. De todas formas, al estudiar teatro aprenderás todas las herramientas necesarias para lograrlo. Recuerda que lo peor para cualquier profesional es quedarse en los laureles.

Teatro es una carrera entretenida e interesante, pero implica sacrificio y un riesgo desde el punto de vista laboral y económico. Además. el mercado de la actuación no es muy grande en Chile, pero con los años se han abierto nuevas alternativas, a través de fondos concursables y otro tipo de proyectos, que al menos abren nuevas posibilidades para los que quieran cumplir el sueño de vivir de esta profesión.

http://psu.cl/2014/10/22/10-signos-que-indican-que-podrias-estudiar-teatro-o-actuacion/

10 cosas que tienes que saber antes de ir a un casting

Maite Buenafuente, experta en seleccionar actores, analiza el mundo de las audiciones en su libro 'Ya te llamaremos'. Y también nos da esta guía sobre cómo encarar esa prueba para el papel de tu vida. Por YAGO GARCÍA

“Creer en uno mismo, mostrar entusiasmo y no darse nunca por vencido”: esas son las claves que da Maite Buenafuente para el actor o actriz que se enfrenta a una audición. Y tendremos que hacerle caso, porque además de ser ella misma intérprete, profesora de Arte Dramático y una directora de casting con mucha experiencia, Maite es la autora de Ya te llamaremos (Ed. Conecta). Se trata de un libro que ha salido a la venta esta semana, y en el que la directora de casting de la productora El Terrat nos cuenta todo lo que sabe sobre la selección de actores, un proceso muy reñido pero “nada distinto de cualquier otra entrevista de trabajo”. Pensando en todos los cinemaníacos que hacen sus pinitos en la interpretación, nosotros hemos contactado con Maite Buenafuente para que nos dé una guía condensada sobre qué debes que hacer (y qué no debes hacer) antes, durante y después de presentarte a esa prueba para el papel de tu vida: síguelas, y lo mismo de aquí a un tiempo tu nombre aparecerá en el palmarés de los Goya.

PRIMER CONSEJO – CUANTO ANTES EMPIECES, MEJOR: “Yo siempre aconsejo a los actores que vayan a casting desde muy al principio de sus carreras”, explica Maite Buenafuente. Según nuestra experta, un profesional de la interpretación debe hacerse habitual de pruebas y audiciones cuando todavía se está formando en el oficio, a fin de acostumbrarse a su mecánica, darse a conocer y cogerle el tranquillo a las pruebas que decidirán su trayectoria. En esto, como en casi todo, la precocidad suele ser una virtud.

SEGUNDO CONSEJO – DIFUNDE TU IMAGEN: Buenafuente lo tiene muy claro:“Cuando se busca personal para películas o series, lo que quiere ver un director de casting es el perfil de un actor, su trayectoria profesional, qué ha hecho y qué puede esperar de él”. Con lo que llegamos a un clásico del asunto: la llave que te abre las puertas de la sala de audiciones es un buen videobook. Y, ¿qué hay que incluir en el valioso documento? Pues “todo lo que al director pueda interesarle”, es decir, todo aquello que hayas hecho y que demuestre tus capacidades. Lo cual nos lleva a otro detalle mucho más importante de lo que parece…

TERCER CONSEJO – INTERNET ES TU AMIGA: “Antes, el videobook tenía que ser físico”, nos dice la autora de Ya te llamaremos, “pero ahora las cosas han cambiado mucho, y los directores de casting podemos tener acceso a mucho material”. ¿Qué quiere decir? Pues que, además de tener un dvd trufado con tus mejores interpretaciones, es vital sacarle partido al streaming de vídeo. ¿No tienes una cuenta en YouTube o Vimeo? Pues ya tardas en hacerte una. ¿Está online ese corto que hiciste y en el que el papel te salió bordado? Si es así, procura que aquellos que van a juzgar tu aptitud para el trabajo sepan dónde encontrarlo.

CUARTO CONSEJO – OJO CON LAS REDES SOCIALES: En el día de hoy, tener un perfil activo en internet es algo que se da por hecho. Pero ¿cómo debe ser ese perfil? Maite Buenafuente contesta nuestra pregunta en una doble vertiente. Por un lado, redes más asociadas a la vida cotidiana como Facebook requieren algo de cuidado por parte del actor en ciernes: “En ellas hay que tener un perfil profesional, centrado en el trabajo y bien diferenciado del público”, nos dice. Y también es crucial estar presente en sitios enfocados a la vida laboral, sobre todo Linkedin. En todo caso, recuerda que un director de casting buscará tu nombre en todos estos lugares: “Nos permite saber qué tipo de contactos tiene un actor o actriz, cómo opinan…”.

QUINTO CONSEJO – HAY QUE SABER CÓMO VESTIRSE: Cuando se va a un casting no es necesario ataviarse como quien va a una boda. Es más: Maite Buenafuente nos dice que lo mejor es llevar “un vestuario cuanto más neutro mejor, salvo que las indicaciones previas avisen de lo contrario”. A lo cual hay que sumar detalles técnicos cuya transgresión puede salirte muy cara: “Cuando van a grabarte nunca debes llevar ropa a rayas o con dibujos que queden mal en cámara, ni tampoco con marcas visibles o publicidad”. Mucho ojo con esto, aunque parezca una tontería porque, según la experta, “son cosas que todo actor o actriz tiene que saber de antemano”.

SEXTO CONSEJO – DALE IMPORTANCIA A LA EDUCACIÓN: Si nuestro hipotético actor o actriz ha seguido todas las normas anteriores, lo más probable es que ya se halle en el lugar del casting, y a punto de conocer al personal que evaluará su audición. Ahora bien, ¿cómo debe presentarse ante el equipo? Pues con la mayor naturalidad posible, pero guardando las debidas distancias. Cedámosle la palabra a Maite Buenafuente: “La presentación de alguien le permite al director saber de qué palo va, así que es importante. Lo mejor es entrar sin miedo, saludar con una sonrisa y tratar al director preferiblemente de usted, aunque también puede valer el tuteo cuando se tiene buena educación”. El exceso de efusividad te puede costar caro: “Hay chicos o chicas que, al presentarse, te dan dos besos, luego se los dan a tu ayudante y parece que no van a terminar nunca”.

SÉPTIMO CONSEJO – LOS JEFES DE CASTING TAMBIÉN SON HUMANOS: “El puesto de director de cásting está muy mitificado”, señala Maite Buenafuente. Y acto seguido bromea diciendo que más de un intérprete se enfrenta a una audición “como si fueran a condenarle a muerte”. Craso error, avisa la experta: “Tienes que recordar que nosotros estamos haciendo nuestro trabajo, y que un buen responsable de casting le dará al actor las herramientas necesarias para que demuestre lo que puede hacer”. 

OCTAVO CONSEJO – EN CASO DE ERROR, HUYE HACIA ADELANTE: “Todos somos humanos”, advierte la autora de Ya te llamaremos. Lo cual es una forma elegante de decir que incluso el mejor actor del mundo puede cometer una pifia clamorosa durante una audición. ¿Qué debe hacer el intérprete que mete la pata? “Saber reaccionar sin bloquearse, improvisar y, sobre todo, no parar nunca”, dice. Los buenos profesionales hacen de la necesidad virtud, de modo que sacarle partido a un fallo en un casting (o sobreponerse a esa sensación de “lo estoy haciendo fatal” que puede asaltarte a veces) puede ser la clave del éxito: “Salir airoso de una situación difícil le da una buena impresión al jefe de casting”, dice nuestra experta,“porque así sabe que reaccionarás bien si hay imprevistos en el plató”.

NOVENO CONSEJO – PÁSATELO BIEN: ¿Suena esta advertencia a tópico? Pues sí, pero también es una verdad como un templo. Maite Buenafuente nos previene de que en un casting es muy importante “contagiar tu disfrute a la persona que te está viendo”. Ser tú mismo y mantener la moral alta (cuanto más alta, mejor) evitará esos ataques de pánico que te llevan a bloquearte durante la prueba, amén de demostrarle a tus jueces que estás seguro de tus capacidades. 

ÚLTIMO CONSEJO – “LO MÁS PROBABLE ES QUE NO TE COJAN”: La verdad duele, lo sabemos, pero la directora de casting de El Terrat nos la dice a las claras: bordar una prueba de selección no garantiza ni mucho menos que el papel sea tuyo… Muchas veces, de hecho, porque ese papel ya no existe. “Puedes hacer un casting impecable, y pese a ello quedarte fuera por muchas razones: a lo mejor ha habido un recorte de presupuesto y el personaje al que aspirabas se ha caído del guión”, nos explica. En el día de hoy las producciones con grandes medios que pueden alojar repartos multitudinarios son cada vez más escasas, con lo que no dar nada por hecho es imprescindible para evitar el batacazo emocional. En todo caso, nuestra experta resume la actitud adecuada en dos palabras: “Nunca te des por vencido”.

Taller clown

Intro

A pesar de sus diferencias (ver apartado “Historia del bufón“) podemos considerar al Bufón como el origen primigenio del Payaso, y por tanto concluir que el arte del clown existe desde hace miles de años.

Un clown enano actuaba ya como bufón en la corte del Faraón Dadkeri-Assi durante la Quinta Dinastía Egipcia sobre el año 2500 a.c. (antes de Cristo). Los bufones de la Corte han actuado en China desde 1818 a.c. A lo largo de la historia la mayoría de las culturas han tenido clowns. Cuando Cortez conquisto la Nación Azteca, descubrió que en la Corte de Montezuma había bufones parecidos a los europeos. “Fools aztecas” clowns enanos y bufones jorobados, estuvieron entre los tesoros encontrados que trajo a su vuelta al Papa Clemente VII. La mayoría de las tribus Nativas Americanas han tenido algún tipo de clown. Estos clowns tenían un importante rol social y religioso en la vida de la tribu (ver clowns sagrados), y en algunos casos eran considerados capacitados para curar ciertas enfermedades.

Bufones

Los clowns que actuaban como bufones de corte tenían gran libertad de palabra y critica. A menudo eran los unicos que podían expresarse contra las normas sociales o del gobierno, e incluso su humor podía llegar a afectar y cambiar la politica del gobierno. Sobre el año 300 a.c. el emperador Chino Shih Huang-Ti revisó la construcción de la Gran Muralla China. Miles de trabajadores eran asesinados o morían de cansancio durante su construcción. El emperador planeaba también pintar el muro lo que hubiera provocado la muerte de otros muchos miles. Su bufón, Yu Sze, fue el único que se atrevió a criticar su plan. Yu Sze, bromeando lo convenció para que abandonara su idea de pintar el muro. Yu Sze es recordado hoy en China como un héroe nacional. Uno de los más famosos bufones de las cortes europeas fue Nasir Ed Din. Un día el rey se vio en el espejo, y triste por lo viejo que se veía, empezó a llorar. Los demás miembros de la corte decidieron que lo mejor que podían hacer era llorar también. Cuando el rey paró de llorar, todos pararon de llorar, excepto Nasir Ed Din. Cuando el rey le preguntó a Nasir porque el continuaba llorando, el replicó, “Señor, tu te has visto a ti mismo en el espejo solo por un momento y has empezado a llorar. Yo te veo todo el tiempo”.

Comedia del Arte

La Comedia del Arte empezó en Italia en el siglo XVI y rápidamente domino el panorama teatral Europeo. Era un tipo de teatro con grandes dosis de improvisación, basado en personajes y escenarios arquetipicos de la época. En ella existían muchos personajes comicos, divididos en amos y sirvientes. Había tres tipos de sirvientes comicos: El Zany primero, el Zany segundo (ambos hombres) y la Fantesca (mujer). El Zany primero era pillo e ingenioso y a menudo conspiraba contra el amo. El Zany segundo era un sirviente estúpido que estaba enredado en los planes del Zany primero y la mayoría de las veces era víctima de sus travesuras. La Fantesca era una sirvienta (interpretada por una actriz), era la versión femenina de uno de los Zany, quería participar en los planes y provocaba una historia romántica entre los sirvientes. La historia del payaso es una historia de creatividad, evolución y cambios. Arlequino la empezó como segundo Zany, la víctima de Brighella. Los actores representaron gradualmente a Arlequino cada vez más elegante (inteligente?), hasta que el eventualmente usurpo la posición de Brighella. En la Pantomima Inglesa, un estilo de teatro basado en la Comedia del Arte, John Rich completo la evolución del Arlequino, elevándolo a la posición de protagónico. Desarrollándose así nuevos personajes que asumieron la posición de víctimas idiotas de Arlequino. Uno de ellos fue el clown de carablanca.

William Kemp and Robert Artmin – Clowns de Shakespeare

Durante el reinado de la reina Elizabeth, los espectáculos de clowns en Inglaterra eran básicamente una forma de arte. Shakespeare era el escritor de obras para la compañía teatral “Lord Chandler’s Men”. De los 26 principales actores en la “Lord Chandler’s Men” dos, William Kemp y Richard Armin, eran clowns. William Kemp fue el primer clown de la compañía. Se convirtió en una estrella, hasta tal punto que fue dueño de una parte de la compañía y del Globe Theatre. Se especializó en interpretar un tipo de personajes del campo, estúpidos, que chocaban y tropezaban con todo (estilo que más tarde seria conocido como Augusto) Robert Armin (1568-1615) entro en la compañía cuando Kemp la dejo. Se especializó en interpretar bufones de corte estúpidos y bromistas. Escribió una de las primeras historias del clown publicadas, un libro sobre famosos bufones de corte. El estilo de las obras de Shakespeare cambió cuando Armin reemplazo a Kemp, es conocido que las hacia a la medida de las habilidades y estilo de sus clowns. Los eruditos creen que parte de los guiones existentes eran improvisaciones de los clowns que después de probar ante el público pasaban a formar parte de los guiones. Según la tradición Hamlet ordenaba a los clowns hablar solo lo que había sido escrito para ellos, y esto era una critica directa a la predisposición de Kemp a improvisar.

El primer clown de circo

Philip Astley creó lo que se ha considerado el primer circo, en Inglaterra en 1768. Fue también el creador de la primera actuación de clown de circo, llamada “Billy Button” o “Tailor’s Ride To Brendford”. El tópico acto estaba basado en la historia de un sastre, un inepto equitador, que se dirigía a Brendford a caballo para votar en unas elecciones. Astley imitaba al sastre, intentando montar al caballo. Primero tenía tremendas dificultades para montar correctamente, y después cuando finalmente conseguía montarlo, el caballo salía galopando a tal velocidad que lo hacia volar por los aires cayendo al suelo. Como productor circense Astley contrato a otros clowns para que hicieran la rutina “Billy Buttons”, rutina que se convirtió en tradicional en todos los circos durante un siglo. Incluso hoy en los circos modernos existen algunas variaciones de esa rutina con alguien del público intentando montar un caballo.

Orígenes del personaje del clown Vagabundo

James McIntyre ( -Aug. 18, 1937) y Tom Heath ( -Aug. 19, 1938) crearon la caracterización del clown Vagabundo en 1874. Representaron Afroamericanos vagabundos durante la guerra civil en América. Basaban sus personajes en clowns juglares de caranegra, lo que es el origen de la boca blanca usada por este tipo de clowns. Estudiaron la cultura afroamericana intentando representarla con precisión. McIntyre tuvo el merito de introducir una danza Afroamericana llamada “The Buck and Wing” en la escena americana. La danza sería más tarde conocida como “Tap Dance” (Zapateado).

Clowns de diferentes culturas

La mayoría de las culturas han tenido su propio personaje clown y su propia forma de nombrarlos. Estos son algunos de los nombres otorgados a los clowns en diferentes culturas a través de la historia: Auguste, Badin (Francia Medieval), Bobo (España 1500 d.c.), Buffon, Cabotin (Italia 1500 d.c.), Cascaduer (Francia), Charlie (Clown Vagabundo Europeo), Chou (China), Claune (Francia 1800’s), Contrary (Tribus Nativas de America), Excentrique (Clown Frances que actua solo), Fool “loco”, Gleeman (Inglaterra medieval), Gracioso (España 1500 d.c.), Grotesco (Clown acrobatico Francia, 1820-1850), Hano (Americanos Nativos), Hanswurst (Alemania y Austria 1700 d.c.), Harlequin (Comedia Del Arte y Pantomima Inglesa), Jack Pudding (Inglaterra 1600’s), Jester “Bromista”, Joey, Jongleur “Malabarista” (Europa siglo XVIIII), Kartala (Bali), Koyemsi (Tribu Hope de Nativos Americanos), Merry Andrew (Inglaterra, 1600 y 1700’s d.c.), Minnesinger (Alemania 1100-1400’s), Juglar – Minstrel (Europa medieval y America 1800 y 1900’s), Narr (Alemania 1600 d.c.), Newekwe (Tribu Nativa Americana Zuni), Nibhatkin (Burma), Pagliacci (Italia), Pantalone (Comedia Del Arte y Pantomima Inglesa), Pedrolino (Commedia Del Arte), Penasar (Bali), Pickle Herring (Holanda y Alemania 1600 y 1700’s), Pierrot (Francia), Rizhii (Rusia, 1800’s), Semar (Java), Skomorokhi (Rusia 1000 d.c.), Tramp “Vagabundo” (America), Trickster “tramposo bromista o hacedor de trucos” (mitologia de muchas culturas), Troubadour (Francia Medieval), Vidusaka (India), Vita (India), Wayang Orang (Indonesia), Carablanca y Zany (Italia).

Fanny Mikey, Una Apasionada Que Vivió Intensamente Para El Teatro

- Fanny Mikey, Una Apasionada Que Vivió Intensamente Para El Teatro.

Publicado por BITÁCORA TEATRAL COLOMBIA .

Fanny Mikey se asentó y se fue de Colombia en Cali. Llegó por Buenaventura, pero fue en la capital del Valle donde se enamoró del país y donde se propuso hacerlo feliz.

Por esas vueltas de 360 grados que da el destino, en Cali falleció. Se fue después de sacarle el jugo a la vida. De haberles robado el corazón a 40 millones de colombianos, que el año pasado la escogieron como el personaje de la cultura más importante de los últimos diez años en Colombia.

Era un ícono juguetón, pícaro, alejado de cualquier formalidad. Una mujer indoblegable: "Véncelos por cansancio", decía a su equipo de trabajo cuando salían a buscar recursos y divulgación para sus proyectos.

Desde 1988, y cada dos años, llevaba alegría a todo el país y especialmente a Bogotá, con su Festival Iberoamericano de Teatro.

En varias ocasiones, cuando ella era solo un puntito rojo entre la multitud le dejó saber a su gente la satisfacción que sentía viendo a 80 o cien mil personas plenas de emoción ante un espectáculo traído de Francia, España o Australia. Fanny ardía con la alegría colectiva. Así se lo hizo saber este año, con la voz entrecortada, a los bogotanos que coreaban su nombre durante el cierre del más reciente Festival Iberoamericano: "Me hacer llorar verlos tan felices". 

Arquitecta de imposibles, se cuentan por montones los sueños que convirtió en carne y hueso. Traer cada dos años un promedio de dos mil artistas de cinco continentes durante el Iberoamericano. Edificar tres teatros en Bogotá con una programación permanente y variada. Organizar conciertos de las figuras Luciano Pavarotti, Joan Manuel Serrat y Chavela Vargas.

Su capacidad de gestión iba de la mano de su talento artístico. Su compatriota Marta Traba fue una de las primeras en señalar su potencial.

"A Fanny Mikey no la recordarán 'Edipo Rey', o 'La loca de Chaillot', sino por haber hecho parte de la vida pública".

Eso lo dijo unas décadas antes que Fanny se inventara el Iberoamericano o creara el Teatro Nacional. Tenía razón. Era una buena actriz y directora, pero era mucho más que eso: una líder que no perdía su polo a tierra, así muchos amigos hablaran de las locuras de Fanny. Eso era lo que la hacía diferente, pues tenía la capacidad de visualizar los sueños y matizarlos con cálculos contables, para que esas ideas se convirtieran en hechos. En ese sentido era muy racional.

Toda su inteligencia la puso al servicio del teatro. Desde muy pequeña, Fanny Elisa Orlanszky, su nombre de pila, quiso estudiar arte dramático.

Pero tropezó con su familia. Desde entonces se acostumbró a luchar. Trabajó como oficinista. Apareció en la televisión de su país haciendo un programa de ejercicios y rápidamente se dedicó a la actuación. Por ese capricho, su familia 'le cortó la ayuda' y desde los 16 años aprendió a valerse por sí sola.

A Colombia llegó por cuenta del motor de su vida: el amor. Venía tras los pasos del actor Pedro Martínez, quien había venido a Colombia para trabajar en la recién nacida televisión nacional. En un principio, el país no le impactó . Pensó en regresar a su casa pero aparecieron Cali y el Tec (Teatro Experimental de Cali ).

Fue ahí cuando se comenzó a revelar la actriz y la noctámbula empedernida, a la que le gustaba conversar hasta el alba y que aprendió a azotar baldosa en Juanchito mientras se dejaba guiar por el dramaturgo y director Enrique Buenaventura.

El frenesí de la noche era también su manera de sacudir los malos momentos, como cuando una bomba explotó en los baños del Teatro Nacional durante el primer Festival Iberoamericano de Teatro, en 1988. La reacción instintiva de Fanny fue reunir a su equipo y decirle: "Acá no hay lágrimas, organicen a todos los grupos porque nos vamos a rumbear".

Con la misma intensidad, Fanny fue devota de María Auxiliadora. Cada noche, durante el Iberoamericano de Teatro, esta judía le rezaba a la virgen encendiendo una veladora en cada uno de los teatros donde habría función. Era su procesión personal.

"Una de las cosas que más me llena es sentarme a recordar lo que fue, lo que hicimos y lo que proyectamos por la cultura colombiana en las largas caminatas nocturnas que emprendíamos con Fanny en las noches caleñas y que, ineludiblemente, terminaban en Juanchito", resumía su amigo Álvaro Bejarano en el texto 'La Fanny que yo conocí y que todos queremos'.

Entre montajes y la brisa de la tarde que refresca todos los días la Avenida Sexta de Cali, la actriz demostró que más allá del amor y el talento, tenía cabeza para las artes escénicas. Cuando no hablaba con Bejarano del escritor Jack Kerouac, se ensañaba en intensas charlas con sus amigos en el Hotel Aristi acerca de la escena teatral o la actualidad.

Era una adelantada de su tiempo, una mujer culta, amante del cine. Inteligente en tiempos en que eso era una cualidad peligrosa en un país muy conservador y machista. "Hace muchos años había hombres que me temían porque pensaban que yo era una liberada, creían que sabía no setenta sino ochenta y cinco posiciones para hacer el amor. Esa fue una apreciación por ser libre en un medio tan cerrado" , comentaba.

Pero terca, como era, alimentó esa leyenda posando desnuda, en los inicios de los sesenta, para el libro La vida pública, de su amigo poeta Arturo Camacho Ramírez. Las fotos las hizo Hernán Díaz. "Acepté posar porque era la primera vez que se hacía un libro de tal calidad con fotos en blanco y negro". Fue una de las primeras que se atrevió a hacerlo en Colombia. Sus piernas eran parte de su leyenda.

Sus ideas casi le cuestan la nacionalidad colombiana. Muchos criticaron su condición de extranjera beligerante, especialmente el haber participado en las protestas después del encarcelamiento del director Carlos Álvarez . Un crítico del gobierno de turno. Sin embargo, el canciller de la época, Indalecio Liévano, desestimó las acusaciones y le dio la ciudadanía.

En Colombia también crió a su hijo, Daniel, pero sus lazos familiares son más grandes, respondiendo a un principio que emanaba de su corazón: "Los amigos son la familia que uno escogió".

Tanta actividad y tanta vida eran posibles porque Fanny solo necesitaba tres o cuatro horas para dormir cada noche. Tenía un sueño recurrente en el que los días eran de 48 horas. De ese espíritu ' trabajólico' nacieron quijotadas como el Café Concierto La Gata Caliente, en el que afloraron la sensualidad y el riesgo que exorcizaba en el escenario, y su Teatro Nacional, que inauguró en 1981. Luego vino el Teatro La Castellana y más tarde La Casa del Teatro Nacional.

Sin embargo, su mayor legado fue el Festival Iberoamericano de Teatro, el centro de sus fatigas y satisfacciones. Sentía que cuando se bajaba el telón le arrancaban una parte de su cuerpo. Pero a los pocos días, corría de nuevo a planearlo, a pesar de que los médicos con frecuencia le decían que guardara absoluto reposo. De vez en cuando amenazaba con "este es mi último Festival". Pero sus colaboradores más cercanos rápidamente aprendieron que era casi un ritual y que no era capaz de cumplir esa promesa.

Según sus propias palabras, siete veces tuvo cerca la muerte y logró ganar la batalla.

"Estamos ávidos de querer más cosas, pero cuando nos toca, nos toca", afirmaba hace un par de años.

Fanny vivió al límite sus 78 años y lo más importante de su obra lo hizo en las últimas tres décadas, lo cual era consecuente con una de sus máximas. "No hay edad que impida lo que uno se propone. Porque sé que uno se muere y no se da cuenta". 

Publicación eltiempo.com Sección. Cultura y entretenimiento. Fecha de publicación 16 de agosto de 2008.

Sacado de: http://www.eltiempo.com/archivo/documento/CMS-4451108